Wiosenne nowości Przegląd albumów
Stephen Malkmus i the Jicks - Sparkle Hard
Stephen Malkmus jest królem indie rocka od dziesięcioleci, począwszy od jego chwalonej przez krytyków pracy z Pavement w latach 90-tych. Od czasu ich rozpadu w 1999 roku, Malkmus wydał serię dobrze przyjętych albumów solowych ze swoim zespołem The Jicks. Moim zdaniem, jego arcydziełem jako artysty solowego pozostaje wydany w 2008 roku album Real Emotional Trash, na którym Malkmus dał upust swojemu dziwactwu - cztery utwory przekroczyły granicę sześciu minut, a utwór tytułowy trwał nawet ponad dziesięć minut. Jego najnowszy album, Sparkle Hard, jest jego najmocniejszą pozycją od czasu tego albumu. Teksty są tak samo dowcipne jak zawsze, Malkmus krytykuje wszystko, od mnożących się ścieżek rowerowych po media społecznościowe, a w utworze "Brethren" rzuca kilka słów na temat tendencyjności. Muzycznie wszystko jest nadal dość swobodne, choć jest kilka przypadków rockowego grania, jak na przykład wielkie, rozmyte gitary w "Cast Off" i "Shiggy". Ale co najbardziej imponujące, jest też chęć do małych eksperymentów, takich jak wyrafinowana sekcja smyczkowa w "Solid Silk" i country swing w "Refute", gdzie gość Kim Gordon wygłasza mrugający wers o niewierności i dysfunkcyjnych rodzinach. Nie wszystko się zgadza, nadal nie jestem do końca przekonany do autotune'owych wokali w chrzęszczącym "Rattler", ale trzeba oddać Malkmusowi, że przynajmniej wypróbował kilka różnych podejść. Co w końcu jest jedną z największych przyjemności płynących z tego albumu, to portret artysty, który czuje się na tyle swobodnie, by dostarczać towar bez wysiłku, ale także z pewnością siebie, by podjąć kilka ryzyk i rzucić kilka dobrze umiejscowionych podkręconych piłek.
Skee Mask - Compro
Niemiecki producent Bryan Müller, dzięki swojemu drugiemu pełnemu albumowi pod szyldem Skee Mask, Compro, generuje niezłe zamieszanie. Nie tylko zdobył on pożądaną pieczęć Best New Music od Pitchforka, ale także początkowe tłoczenie winyli wyprzedało się w ciągu zaledwie kilku dni. Nie bez powodu, Compro jest nie tylko kandydatem do miana najlepszego elektronicznego albumu roku, ale może stać się nowym klasykiem. To jest uderzająco dojrzałe dzieło, które ma w sobie dziwnie ponadczasową jakość. Czasami nawet przywołuje na myśl wczesną twórczość wielkiego Aphex Twina, szczególnie w ponurym "Via Sub Mids". Pomimo tego, że Compro brzmi jakby mógł powstać w latach 90-tych, nie sprawia wrażenia przestarzałego czy wtórnego. Album obejmuje również szeroką gamę nastrojów i temp, od otulającej atmosfery "VLI" do muskularnych breaków w "Dial 274" i skrzeczącego drumnbasu w "Soundboy Ext.". Co jednak niezwykłe, to fakt, że pomimo całej gamy podgatunków, z jakimi mierzy się Skee Mask, w każdym z nich radzi sobie równie dobrze. Dodatkowo, udaje mu się spleść te style w spójną całość, która naturalnie przepływa z utworu na utwór. Pod względem technicznym jest to dzieło mistrzowskie, miks jest krystalicznie czysty, a każdy dźwięk zajmuje odpowiednią ilość miejsca, nawet gdy elementy są ułożone jeden na drugim. Ale to właśnie odniesienia do wcześniejszych klasyków nadają utworom emocjonalny ciężar. Dzięki sięgnięciu do wspomnień gigantów, na których Skee Mask stoi, jego muzyka zyskuje nowy wymiar głębi i otwiera możliwość dołączenia pewnego dnia do panteonu wielkich muzyki elektronicznej.
Courtney Barnett - Tell Me How You Really Feel
Kiedy Courtney Barnett przebiła się do szerokiej publiczności swoim debiutem, Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit, był to powiew świeżego powietrza, wstrzykując tak potrzebną autentyczność i surowość z powrotem do rocka. Po nim wydała w zeszłym roku kolaborację z Kurtem Vile'em, Lotta Sea Lice, która była zdecydowanie bardziej wyluzowana i beztroska. Estetyka tego projektu, przynajmniej jeśli chodzi o muzykę, przeniknęła do jej najnowszego albumu Tell Me How You Really Feel, który w większości jest powolnym spalaniem się ballad i materiału w średnim tempie. Z pewnością nie ma tu nic tak ostrego jak warkot, który Barnett uwolniła na singlu Sometime, "Pedestrian at Best". Lirycznie, otwierająca "Hopefulessness" rada "Take your broken heart/ Turn it into art" wydaje się być manifestem albumu, jako że większość płyty traktuje o problemach w związkach i rozczarowaniu. Jest też kilka bardziej energicznych numerów, w tym "Crippling Self Doubt and a General Lack of Self Confidence", ale przejaskrawiony tytuł naprawdę mówi wszystko, jeśli chodzi o znaczenie piosenki. Gdzie indziej Barnett rozmyśla nad izolacją i monotonią trasy koncertowej w "City Looks Pretty" i właśnie wtedy, gdy wydaje się, że sprawy mogą stać się zbyt ponure, Barnett wyrzuca z siebie bezczelną piosenkę miłosną w zamykającym album "Sunday Roast", która rozwija się do podnoszącej na duchu kody i kończy wszystko pozytywnym akcentem. Wokół tego wydawnictwa narosło trochę negatywnego szumu, ale to może być rozczarowanie tych, którzy szukali głośnego, letniego albumu do odtwarzania podczas imprez w słońcu. Choć to nie jest to, to jednak teksty piosenek są nadal mocne, a luźne gitarowe tropy Barnetta mają w sobie urok kudłatego psa. Poza tym, lato to nie zawsze tylko bbq i plaża, ten album będzie dobry do słuchania w pochmurne poranki w oczekiwaniu na przebicie się słońca.
Jon Hopkins - Singularity
Jon Hopkins tworzy intelektualną muzykę elektroniczną już od jakiegoś czasu, ale wcześniej był najbardziej znany ze swojej pracy producenckiej dla Briana Eno i Coldplay. Zmieniło się to jednak w 2013 roku, kiedy to znokautował swoim czwartym pełnym wydawnictwem Immunity, albumem na tyle znakomitym, że wylądował na mojej własnej liście dziesięciu najlepszych tego roku. Jednym z wyróżniających się utworów był pulsujący "Open Eye Signal", w którym modulowany basowy syntezator brzmiał jak elektryczność przepływająca przez skorodowane obwody na house'owym bicie. Niestety, nowy album Hopkinsa otwiera trio utworów, które praktycznie brzmią jak przeróbki tamtego kawałka, z tymi samymi brudnymi tonami i podobnymi progresjami akordów pojawiającymi się przez cały czas. Trzeba jednak przyznać, że są to wciąż dobrze wykonane kompozycje z godną podziwu dbałością o szczegóły. Jednym z najbardziej niezwykłych wyczynów Hopkinsa jest to, że tworzy on muzykę, która jest jednocześnie ekspansywna, a jednocześnie w jakiś sposób sprawia wrażenie okna na świat molekularny. Jeśli istniałaby ścieżka dźwiękowa do stosunkowo ogromnych połaci pustej przestrzeni pomiędzy jądrem atomu a elektronami, to mogłaby to być właśnie ona. Trudno jednak nie uznać Singularity za jedynie stąpanie po tym samym gruncie, który Hopkins tak kreatywnie otworzył swoim Immunity. Druga połowa albumu skłania się bardziej ku ambientowi i kinematografii, i to właśnie tutaj jest trochę więcej miejsca dla muzyki, by posunąć się do przodu. Jednak do tego momentu spędziliśmy już prawie pół godziny na przemierzaniu Immunity 2.0. Hopkins pozostaje światowej klasy rzeźbiarzem dźwięku, te utwory będą brzmiały po prostu cudownie na waszych głośnikach, ale trudno nie żałować, że nie było trochę więcej pomysłów, by w pełni rozwinąć te elementy w coś, co stanowi rozwinięcie jego wcześniejszych prac.