Październikowe Nowe Wydania Recenzje Muzyczne Round Up
Nieczęsto mamy nowy dzień wydania, jak w piątek przed ostatnim, ponieważ była to wirtualna bonzanza nowej muzyki. Od lat 90-tych, takich jak Beck, po względne nowości jak King Krule, każdy miał coś dla siebie. Oto torba z recenzjami najbardziej oczekiwanych albumów najgorętszych artystów.
Courtney Barnett/Kurt Vile - Lotta Sea Lice
To stara bajka; chłopak z Filadelfii, znany z kosmicznych wycieczek z ładunkiem folkowym, spotyka dziewczynę z Australii o wysokim rocku oktanowym i razem tworzą przyjemną partię zabawnych melodii. Podczas gdy połączenie w pary Kurta Vile'a i Courtney Barnett mogło wydawać się na początku krzywą kulą, okazuje się, że całkiem dobrze się uzupełniają, a ich styl konwersacyjny sprawia, że wydaje się, iż właśnie przeszliśmy do swobodnej, podwórkowej jam session. Czasami w centrum uwagi znajdują się gitary akustyczne, innym razem jednak przejmują je wrzecionowate gitary elektryczne, a nawet amerykańskie przebłyski banjo i harmonijki. Lirycznie rzeczy są przewidywalnie luźne, z nowym Kurtem i Courtneyem handlującymi anegdotami o pisaniu piosenek i życiu w trasie. Na "Blue Cheese" jest nawet trochę głupio z jego odniesieniami do chińskiego rock n' rolla i woo hoos. Ale największą niespodzianką jest okładka zamykająca album "Untogether" grupy rockowej Belly'ego z lat 90-tych, która odkrywa szarpane piękno w badaniu nieudanego związku. Podczas gdy większość albumu to tylko kongenialne słuchanie deszczowego dnia, na tym kawałku obaj wokaliści dotykają czegoś nieco głębszego, złamanego serca i tęsknoty przefiltrowanej przez mało prawdopodobny platoniczny związek.
Beck - Colors
Jeśli jest jedna rzecz, którą znamy z muzycznego kameleona znanego po prostu jako Beck, to jest to, że facet nigdy nie jest łatwy do przypięcia. Nie jest więc szokiem, że po raz kolejny wybrał objazd ze swoim albumem Colors, który reprezentuje jego najbardziej popowy album do tej pory. W połączeniu z dużymi błyszczącymi refrenami, maszynami perkusyjnymi i produkcją warstwową, wydaje się, że Beck próbuje przemówić do jak najszerszej publiczności, co jest ciekawym posunięciem dla artysty, który ma za sobą ponad 20 lat swojej kariery i nie powinien mieć w tym momencie nic do udowodnienia. Wszystko zaczyna się dość obiecująco od słonecznego, tytułowego utworu z chwytliwym, przesuniętym wokalem i, jak się wydaje, dźwiękowym du jour, tribalowymi samplami fletu. Następnie "Seventh Heaven" zawiera kilka dobrze umiejscowionych kaskad klawiszowych nowej epoki i typowy dla Becka strumień tekstów świadomości o "piesku jabłkowym" i "opalonych ustach", który prowadzi do strzelistego chóru z wężowymi gitarami. Jest to dobrze dopracowana melodia, której towarzyszy "I'm So Free", jeden z bardziej energicznych wypadów na płycie. Ale potem płyta zatrzymuje się z "Dear Life", melodią nie tylko nijaką, ale też jakby sklejoną z partii używanych gitar Beatlesów i policjantów z hakiem na pianino z "Oh You Pretty Things" Bowie'ego. Beck zawsze miał jakieś oczywiste wpływy, Dylan, Prince, hip-hop lat 80., ale jego geniusz zestawiał je w taki sposób, że części te tworzyły coś nowego. Tutaj tylko wydaje się być pochodną, podążając za pomysłami i chwytając za to, co stworzy piosenkę do przejścia. Niestety, nie ma zbyt wielu ciekawostek z pozostałej części albumu, z wyjątkiem odnowionego "Dreams". Jest to jeden z jedynych legalnie funkowych kawałków, ale ma też ponad dwa lata. Wcześniej przez twórczość Becka biegały dwa główne nurty, smutny materiał wokalisty i autora piosenek, który znajdował się w czołówce Sea Change i Morning Phase oraz gatunek hopping fun Beck, którego najlepszym przykładem jest Odelay i ulubiony przez fanów Midnite Vultures z 1999 roku. Niestety na Colorach widzimy pojawienie się trzeciego Becka, przeciętnego Becka lub bezpiecznego Becka. Jest to przebranie, które widzieliśmy na parze albumów z połowy 2000 roku, The Information i Modern Guilt. Ale oba te utwory były o wiele bardziej angażujące niż ten materiał, prawdopodobnie w dużej mierze dzięki wkładowi czołowych producentów lotniczych Nigela Godricha i Danger Mouse. Wygląda na to, że wcielenie zany dance party po prostu nie jest osobą, którą Beck może się zająć na tym etapie swojej kariery, więc możemy tylko mieć nadzieję, że następnym razem smutny Beck ponownie pojawi się w okolicy, aby dać nam nową, postmodernistyczną solówkę dla kantorów, break-upów i innych wybryków.
St. Vincent - Masseduction
Annie Clark aka St. Vincent wybiła go z parku przy swoim ostatnim wysiłku, w 2014 roku, zatytułowanym własnym albumem, z mnóstwem pomysłowo chwytliwych melodii. Ambicje i pewność siebie Clark wzniosły się tak wysoko, że nawet umieściła się na tronie i nie tak subtelnie ogłosiła się jakąś indie rockową królewskością lub kultową liderką na okładce albumu. Tak więc po podbiciu świata nie dziwi, że Masseduction jest czymś w rodzaju comedown. Ale choć nie może ona przebić St. Vincent, to nie jest też rozczarowaniem. Jednakże, swagger jest w dużej mierze zniknął, podobnie jak większość gitarowych bohaterów, którzy zdobyli uznanie Clark jako jeden z najbardziej innowacyjnych gitarzystów swojego pokolenia. W ich miejsce uważamy, że pani Clark jest nieco roztargniona przez rozwiązane relacje i ogólne presji współczesnego życia. To sprawia, że bardzo osobisty romans z jej musing nad utratą umysłu w dystopii na "Los Ageless", katastrofalne wydarzenia na "Fear the Future" i wędrówki pustych ulic na "New York", zastanawiając się, kto może znieść z nią teraz, że jej kochanek odszedł. Ale większość swojego smutku zawija w lśniący makowy pakiet z wysokim ilorazem elektroniki, jak na uderzającym "Sugarboy", gdzie jeździ na syntezatorze "I Feel Love" Donny Summer, by stworzyć intrygujący lewopolowy facsimile utworu EDM. Podobnie, łączy bouncey beat z biadolącymi gitarami i sprytnym, naprzemiennym lirykiem "Mass seduction/Mass destruction" na tytułowym cutu, który brzmi jak wielki hit w alternatywnym wszechświecie, gdzie ludzie nie mają nic przeciwko myśleniu podczas tańca. Jednak najbardziej efektownym materiałem na płycie są spokojniejsze momenty, jak "Happy Birthday Johnny", który powraca do tego samego związku co jej ostatni album "Prince Johnny". Teraz romans dawno się skończył, a Johnny śpi na ulicach gdzieś samotnie, podczas gdy Clark paraduje na okładkach magazynów i w telewizji. To imponujące na takich kawałkach jak ten, że nie boi się obnażyć swojej duszy w tak specyficzny sposób. Jest to album nie pozbawiony własnej sztuczki, ale za fasadą mamy kilka spojrzeń na coś bardziej realnego i wskazuje na to, że Clark nadal dojrzewa jako artysta.
King Krule - The OOZ
Król Krule aka Archy Marshall's był i będzie artystą od kilku lat i nagrywał pod kilkoma pseudonimami, w tym przede wszystkim pod własnym imieniem i Zoo Kid w dodatku do King Krule. Z The OOZ, jego drugim właściwym albumem pod szyldem King Krule, Marshall wydał ambitne, trudne dzieło, które nie przypomina niczego innego na dzisiejszej scenie muzycznej, ani żadnej epoki. Jest to prawdziwe połączenie stylów z jazzem, punkiem, surf rockiem, hip hopem, ambientową elektroniką, a nawet z efektami w stylu dub reggae, a wszystko to w zupnej miksturze, która nie zawsze jest łatwa, ale zjadliwa. Ale to, co jest bardziej imponujące niż pozornie odmienne gatunki, które Marshall jest w stanie połączyć, to fakt, że sposób, w jaki to robi, brzmi niezwykle świeżo. Termin "przełomowy" jest często rzucany, ale w tym przypadku nie jest to hiperbola. W poprzedniej dyskografii Marshalla pojawiły się podpowiedzi na temat takiej płyty, ale to dzieło stanowi skok do przodu zarówno dla King Krule, jak i może nawet dla muzyki w ogóle. Lirycznie, tematyka samotności i depresji pasuje do szkieletowych pejzaży dźwiękowych, które stanowią tło dla często niezrozumiałego południowego Londynu akcentowanego barytonem Marshalla. Nie popełnij błędu, muzyka Marshalla jest tak ponura i wilgotna jak mgła, z której słynie jego rodzinne miasto, ale jest tu sporo do podniecenia. Szczególną cechą wyróżniającą jest połączenie groźnej "Lokomotywy" i nawiedzonego domu z atmosferą "Dum Surfera" The Ventures. Krzyżowanie się torów jest płynne, tworząc wrażenie dwóch połówek jednej całości i tworząc niepowtarzalne kontrapunkty. "The Locomotive" rozkwita i wyrzucona z Marshallem plującym słowami "Chciałbym być równy/Chcę być człowiekiem". "Dum Surfer" z kolei przywołuje coś bardziej konfrontacyjnego i gwałtownego z tekstami o zderzeniach i hazardzie, a muzycznie przedstawia jedną z bardziej tradycyjnych struktur piosenek z czymś w rodzaju haka, a nawet gitarowego solo. W innych utworach, takich jak wojowniczy "Czech One", klawisze przywołują na myśl elektronikę minor key legendarnych gałek twiddlers Boards of Canada. Album traci trochę pary pod koniec, a po 66 minutach prawdopodobnie mógł zostać przycięty o trzy lub cztery utwory, aby wszystko zaostrzyć. Gdyby tak było, mógłby być pretendentem do tytułu albumu roku, ale i tak pozostaje silnym faworytem w pierwszej dziesiątce roku 2017.